Danzas macabras, esqueletos y otras fantasías / Danses macabres, squelettes et autres fantaisies

FRANCIA, PORTUGAL, SUIZA
Director: Rita Azevedo Gomes, Pierre Léon, Jean-Louis Schefer
Año: 2019
Duración: 110′

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La temperatura es ideal, el ecosistema elegido
incluso mejor, la casa luce encantadora
y la compañía resulta perfecta: la lucidez y
los múltiples saberes de Jean-Louis Schefer
se despliegan en las conversaciones que recorren
la totalidad de la película mientras su
interlocutor privilegiado, aunque no el único,
Pierre Léon, escucha y añade algún que otro
comentario breve. Lo que comienza como una
exégesis histórica de las “danzas macabras” se
pierde felizmente en un sinfín de tópicos que
tienen la tradición cristiana como fondo y como
tema preferencial la pintura, aunque Schefer
puede detenerse en cuestiones referidas a la
música y la filosofía y a veces introducir matices
conceptuales que remiten al brahmanismo o al
sintoísmo. Gomes, siempre detrás de cámara y
rara vez enfrente de esta, poco dice hablando,
pero sí encuadrando y haciendo suya la luz,
como si fuera un añadido pictórico al discurso
de Schefer. Del mismo modo funcionan las citas
cinematográficas, que pueden ser de Buñuel,
Renoir o Mizoguchi y se suman como ingeniosos
comentarios indirectos de lo que expresa
Schefer, quien no se considera ni un profesor
ni un erudito, sino un hombre sentimental conmovido
por la pintura más que por la vida en sí.
Las meditaciones de Schefer son amabilísimas,
porque su condición de posibilidad reside en la
atmósfera de amistad que tiñe cada plano inolvidable
de la película. (Roger Koza)

Suquía

ARGENTINA
Director:
Ezequiel Salinas
Año: 2018
Duración: 14′

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El desprecio casi unánime por el río Suquía, que bordea gran parte de Córdoba, se constata con dar un paseo por sus orillas. Salinas decide contrarrestar el menoscabo materializando imaginariamente la voz del río, reconstruyendo su memoria (a partir de materiales de archivo) y navegándolo estéticamente para mostrar su ubicua hermosura y su capacidad de reflejar los actos cotidianos de los habitantes de Córdoba sin que estos lo perciban. Quien sí descubre la relevancia del Suquía es el propio Salinas, que lo registra en un blanco y negro visualmente placentero y necesario para establecer una perspectiva límpida y proponer un vínculo posible entre el río y los hombres y mujeres de la ciudad. Río hermoso de contemplar, pero también, como aquí se insinúa, de escuchar. (Roger Koza)

Refutación de Troya

ARGENTINA
Director:
Gustavo Galuppo / Carolina Rimini
Año: 2020
Duración: 46′

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El sostenido recelo crítico frente a la pregnancia imperativa de la imagen, y la intuición de que no hay revisión ni interpelación posible a ningún discurso ideológico instalado en la visualidad sino se examina la naturaleza del soporte parecen apenas dos de las preocupaciones de Gustavo Galuppo y Carolina Rímini en este nuevo trabajo. En ese sentido, construyen un ríspido collage cinemático y sonoro donde las alteraciones cromáticas, los fotogramas gastados, la abrupta comparencia de citas y apropiaciones, y una obsesiva, rítmica multiplicidad caleidoscópica son tan importantes como la elocuencia, o la interrogación, de los “contenidos”. Dos voces en off de íntima sonoridad nos conducen reflexivamente en el crispado transcurrir de un contrapunto casi museológico, e inducen a reflexionar sobre la predominancia de una hipotética promiscuidad impune suscitada en el imaginario del espectador, donde conviven gastados oropeles de ficción con una suerte de arqueología del documento, como si en la articulada, quirúrgica fragmentación del material de archivo al que apelan detectaran el síntoma, el diagnóstico y una urgente, nueva apelación a la desgastada conciencia crítica. (Eduardo Stupía)

Victoria

COLOMBIA
Director:
Homer Etminani
Año: 2020
Duración: 74′

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ESTRENO

Como el propio film lo intuye, los acuerdos de paz entre el Gobierno colombiano y los miembros de las Farc que empezaron en Oslo y siguieron luego en La Habana años atrás son endebles; no menos frágil es también el destino de Victoria, una mujer joven que luchó en las filas de las Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia: reinsertarse en el orden social y económico es arduo, porque la desconfianza y el rencor persisten en la sociedad colombiana, y la relación entre bienestar y esfuerzo laboral propende como antaño a lo injusto. Victoria, además, tiene una hija pequeña y no le falta mucho para dar a luz a su segundo hijo. En ese contexto biológico y político, la protagonista tomará una decisión controversial: vender en el mercado clandestino las armas que ha escondido. He aquí la situación y asimismo la acción principal del film, pero este no se define solamente por eso, porque Etminani favorece con sus decisiones formales la intensificación de la dimensión sensorial en el registro. ¿De qué modo? Acentuando la fuerza del sonido en distintos pasajes, eligiendo encuadres orientados a la contemplación espacial y empleando la oscuridad como un recurso estético legítimo. (Roger Koza)

Dancing in the Street, 11 grados de separación

Cuba, Italia, España, Colombia, Estados Unidos, Argentina, Brasil, Mexico
Director:
James Benning, Alessandro Focareta, Germán Ayala, Andrea Novoa, Francesca Svampa, Letícia Simões, Melisa Liebenthal, Gabriela Domínguez Ruvalcava, Fabiana Salgado, Yuji Kodato, Yamel Thompson, Jaime Guerra
Año: 2019
Duración: 68′

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Tras haber compartido en Cuba una experiencia en común, doce directores de cine se despiden para volver a sus países y hacen un pacto: realizar una película colectiva que responda a las preguntas ¿qué significa plagiar imágenes? y ¿cómo hacerlo en la distancia? El mecanismo es inusual: un director hace un corto y lo envía al siguiente director, que a su vez hace su propio corto con el propósito de plagiar el que ha recibido. Y así continúa la cadena de plagios hasta llegar al último. Cada uno interpreta a su manera qué significa plagiar la película recibida. El grado cero de la película es James Benning, uno de los cineastas más pacientes del mundo. Sus extensos planos son replicados en los siguientes fragmentos. La desobediencia va alejando al ejercicio de la literalidad y comienza la exploración de la textura de las imágenes. En su mecanismo repetitivo podemos constatar que el cine es, además de registro de lo real, un arte pictórico y sonoro. (Santiago González Cragnolino)

Ese furioso deseo sin nombre

URUGUAY-BRASIL-CUBA
Director: Florencia Colman
Año: 2020
Duración:

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Una de las consignas más relevantes a partir de las que se reorganiza la campaña que muestra la lucha que llevamos a cabo una parte de la sociedad a favor de la legalización del aborto es “La maternidad será deseada o no será”; llama la atención que este sensible corto de Florencia Colman lleve en su título el concepto de “deseo”. Justamente ahí radica el sentido del film – y el del reclamo social también-: en el deseo como algo íntimo y personal que conlleva a una decisión que consecuentemente es íntima y personal. En este corto, narrado a partir de planos detalle de una panza que crece, de una sonrisa que la acompaña, de unas caricias a un bebé y de un cuerpo que se metamorfosea se expone toda la urgencia por defender una práctica de la maternidad responsable y deseada. De libertades y responsabilidades personales habla Colman en esta pequeña pero inmensa película. (Marcela Gamberini)

Nicolas Philibert, Azar y Necesidad / Nicolas Philibert, Hasard et Necessité

FRANCIA
Director: Jean-Louis Comolli
Año: 2020
Duración: 90′

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El azar y la necesidad que enuncia el título del nuevo film de Jean-Louis Comolli también son consubstanciales al hecho de que esta película forme parte de la edición del 20 aniversario del DocBuenosAires. Sus tres hacedores forman parte indisoluble de la experiencia del Doc en sus primeras dos décadas de existencia. En primer lugar, el sujeto del film, el gran cineasta Nicolas Philibert, fue objeto de una retrospectiva en 2003 en la que presentó personalmente su film más famoso, Ser y tener. Luego, aunque ya no regresó, envió generosamente Regreso a Normandía (2007), Nénette (2010, ¡en estreno mundial!) y La Maison de la radio (2013). Siempre alegre, campechano pero no por ello menos preciso e incisivo en el análisis cinematográfico, el propio Comolli estuvo en el Doc en un par de oportunidades iluminándonos con sus películas, sus libros y sus clases magistrales. Y el productor Gérald Collas acompañó al Doc en el 2015 con una selección de sus trabajos menos conocidos y más arriesgados, entre ellos algunos, una vez más, de Comolli. Era casi una necesidad reunirlos para celebrar los 20 años de la muestra y el azar lo hizo posible. Por lo demás, se trata de uno de esos inefables diálogos socráticos que Comolli establece magistralmente con sus colegas, logrando extraer con su mayéutica lo mejor de cada uno de ellos. Él sabe bien –y aquí lo repite, como un imperativo ético— que la pregunta fundamental del cine documental es “¿cómo filmar al otro?” Y Philibert va respondiendo una a una con sus películas y sus personajes, ya sean los internos de un hospital neurosiquiátrico en La Moindre des choses (“llevan el sufrimiento inscripto en el cuerpo”, dice), la orangutana protagonista de Nénette (“un film sobre la mirada”), los niños de El país de los sordos (“un film sobre el sonido”) o por el contrario los artífices de La casa de la radio (“una película sobre la circulación de la palabra”). Nada del mundo parece ser ajeno al cine de Philibert, que mantiene su curiosidad intacta.  (Luciano Monteagudo)

Pan amargo / Bitter Bread

LIBANO-IRAK-FRANCIA
Director: Abbas Fahdel
Año: 2019
Duración: 87′

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El plano inicial puede remitir a la sensibilidad
pictórica de Ozu, y a Fahdel no le falta conocimiento
al respecto para invocarlo, pero más
allá de la pertinente cita cinéfila la reiteración
de esa figura pictórica (la ropa colgada y secándose
apenas movida por el viento) sirve para
señalar la misteriosa voluntad de los refugiados
sirios en el Líbano para no dimitir frente a lo
imposible: ante las condiciones inaceptables de
vida, tener la ropa limpia es un gesto de dignidad.
En verdad, Pan amargo es esencialmente
una película sobre la dignidad, ese sustantivo al
que se suele apelar para afirmar el valor intrínseco
de una vida cualquiera. Del medio millón
de refugiados sirios en el Líbano llegados tras
los conflictos de 2011, Fahdel elige a los que
se alojan en el campamento 003 al lado de una
ruta en el Valle de la Becá. La misión se circunscribe
a filmar la cotidianidad en todas sus
aristas, un desafío que para el cineasta iraquí
no es tal porque ha demostrado en el pasado su
talento narrativo para transformar los detalles
en acciones propias del cine. En menos de una
hora y media se aprende acerca de la economía,
la escolaridad, la vida familiar y afectiva,
la Historia, las peculiaridades culturales, como
también a percibir las condiciones materiales
de supervivencia de los sirios. Dos escenas en
las que se ve a los niños razonar como adultos
son suficientes para sentir indignación y saber
reconocer lo inaceptable. Y todo sucede sin
apelar al chantaje emocional de la sensiblería
biempensante y sin prescindir al mismo tiempo
de un sentido estético que guía el registro del
espacio y de quienes lo pueblan. (Roger Koza)

Calle de una sola vía / One-Way Street

ISRAEL
Director: Erez Pery
Año: 2020
Duración: 48’13”

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ESTRENO

El domingo 30 de octubre de 1938, Orson Welles dispuso su voz para narrar la llegada de los marcianos a nuestro planeta. Se trataba de una adaptación suya de La guerra de los mundos de H. G. Wells, transmitida por radio con tal verosimilitud que muchos oyentes no pudieron captar la naturaleza ficcional del relato. Sobre ese fondo sonoro que es también un fragmento de memoria del siglo XX, Erez Pery, como si fuera un descendiente de un marciano de aquella invasión imaginaria —y no solo un israelí viviendo por una temporada en Nueva York—, decide observar desde la ventana de su departamento a la misma sociedad neoyorquina que respondió a la mítica emisión radial de Welles con desesperación y pánico. Han pasado décadas, pero la condición de aquella respuesta colectiva acaso se ha pronunciado: la enajenación y la paranoia aún anidan en la sociedad estadounidense. En esas coordenadas simbólicas, la ventana de Pery irrumpe sobre la presunta normalidad de la vida cotidiana. Los transeúntes emiten signos reconocibles, pero en ocasiones se adivina en estos desconcierto y desamparo; lo mismo sucede con los vecinos, figuras apenas perceptibles desde las ventanas de sus edificios, quienes parecen estar sumidos en sus rituales domésticos, pero que al ser espiados por la invisible cámara del cineasta transmiten una imperceptible indefensión. En ese repertorio cívico, la cambiante naturaleza sigue sus ritmos conocidos; puede llover, caer nieve o desatarse una tormenta, algo que Pery no desatiende, porque sospecha que ni siquiera el principio de regularidad de la naturaleza es del todo confiable. El sonido complejiza lo que sucede en la calle, pero basta con un zoom o la atención debida a un gesto de alguien para comprobar que lo impredecible siempre aguarda. (Roger Koza)

El triunfo de Sodoma

ARGENTINA
Director: Goyo Anchou
Año: 2020
Duración: 82′

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ESTRENO

“El hueso no se dobla, se quiebra”. La osamenta simbólica aludida es un término en boca de todos: el patriarcado; no es siquiera una ideología, porque sobre él pueden erigirse muchas, como el capitalismo, o el especismo. El tema del nuevo film de Anchou es ese, pero qué es el film en sí resulta difícil saberlo: ¿Un documental sobre la mutación de la matriz que ha ordenado la Historia durante siglos? ¿Un retrato sobre un imaginario mutante? En esta película, dividida en capítulos con títulos tan irreverentes como ingeniosos, el encuentro entre dos personas para tener sexo (o no) deriva en un relato en forma de flashback que acopia escenas en Nueva Deli, Hong Kong, Mar del Plata y otras ciudades; la tenue ficción es apenas un recurso para pensar el actual (des)orden libidinal, que es leído como un síntoma de un clima revolucionario. Varias secuencias tienen un valor documental incuestionable, como los primeros minutos, en los que se observa una manifestación feminista frente a una iglesia, del mismo modo que todas las texturas de la película y sus juegos cromáticos ostentan una hermosura inclasificable, testimonio estético de la época en curso. (Roger Koza)